Chantal Akerman est une cinéaste radicale et complète. Des films de fiction et essais documentaires aux installations d'images en mouvement, son art est celui d'une intrépide expérimentation formelle. Cette esthétique du geste expérimental a pour départ un engagement éthique fort. À l'encontre de tout voyeurisme, d'un regard opposé à un autre, Akerman accueille l'autre à l'intérieur de son propre « logis », le loge au sein de sa propre intimité. Le travail sur l'intime du point de vue des expressions formelles, visuelles et sonores, devient un espace possible à partager et à vivre en commun.

Ainsi les notions d'intérieur et d'intériorité sont intimement liées dans l'oeuvre d'Akerman à la notion de passage : passages d'un extérieur fixe à une mobilité interne mitigée, d'un espace public à l'espace intime, d'une neutralité factice du cadre aux bouleversements profonds des corps. Le passage du film à l'installation est caractérisé par la même perméabilité des frontières. Comment habiter un espace, l'investir de soi tout en préservant aussi bien sa propre intimité que celle de l'espace lui-même, et celle de l'Autre - d'une autre identité, que ce soit la mère de la réalisatrice dans son dernier film No Home Movie (2015) ou encore ses personnages : de Jeanne Dielman à ceux de Je, tu, il, elle (1974), Toute une nuit (1982) et Histoires d'Amérique (1989) ? Lire la suite Fermer

Une histoire de la paternité qui éclaire les différents modèles et expériences paternelles aux époques moderne et contemporaine.
Qu'est-ce qu'être père ? Comment la paternité était-elle pensée et vécue au cours des derniers siècles ? Le présent ouvrage cherche à éclairer les profondes mutations de la figure paternelle en Occident du XVe au XXe siècle. S'intéressant aux relations personnelles et concrètes des pères avec leurs enfants, notamment tout-petits, aux émotions de même qu'aux enjeux de transmissions et de pouvoir, les contributeurs de ce volume donnent à voir les expériences paternelles et les modèles qui s'imposent aux pères dans toute leur diversité. Au profit d'un dépassement de stéréotypes et de simplifications communes, historiens et historiens de l'art mènent ici une série d'études variées qui révèlent des pans méconnus de la paternité d'hier et d'aujourd'hui. Lire la suite Fermer

Unique opéra de Beethoven, Fidelio, composé entre 1804 et 1814, présente une vision héroïque de l'amour conjugal, en même temps qu'il dénonce l'arbitraire et célèbre la liberté. Laissant rarement indifférent, cet opéra ouvre de multiples pistes de réflexion dont cet ouvrage, issu d'un projet de recherche collectif franco-allemand, souhaite donner un aperçu le plus stimulant et original possible.

Chercheuses et chercheurs de différentes disciplines (musicologie, histoire, droit, littérature), représentants de la scène musicale et théâtrale (metteuses et metteurs en scène, interprètes) interrogent les transferts, circulations transnationales et appropriations dont Fidelio a fait l'objet, de sa genèse jusqu'à nos jours, en Europe et sur d'autres continents. Dans une perspective d'histoire culturelle, une lecture esthétique et philosophique de l'oeuvre est mise en perspective avec l'analyse des contextes socio-culturel et politique des multiples productions, exécutions et réceptions de Fidelio. Lire la suite Fermer

Figure de proue de la nouvelle danse des années quatre-vingt, la chorégraphe anne teresa de keersmaeker n'a cessé depuis de maintenir le corps dansant au centre de ses préoccupations artistiques.
Cette analyse met en exergue les éléments qui permettent de définir son style chorégraphique, marqué par une volonté d'assimilation intime et physique des éléments de la composition. centrée sur le mouvement, ancrée dans un étroit rapport à la musique, la structure compositionnelle met également en valeur une vision exigeante mais éthique de l'interprétation. ce livre est issu d'une recherche sur le statut de la description, ainsi que son rôle dans l'activité critique et le débat esthétique.
L'auteur tente de donner ici au matériau même de la danse l'importance qui lui revient, en alliant étude des textes et analyse des oeuvres composant le répertoire de la compagnie rosas, de fase (1982) à raga for the rainy season (2005).
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Depuis son invention, le cinéma français ne cesse de truquer, créer, innover et repousse toutes les frontières économiques, esthétiques, logistiques, narratives à force d'effets spéciaux. En prolongeant les trucs de la photographie, de la féerie théâtrale et de la prestidigitation, les pionniers comme Georges Méliès ont attiré la lumière sur eux. Des milliers d'artistes et techniciens ont ensuite oeuvré dans l'ombre, nourrissant, par leurs trouvailles, les images cinématographiques françaises, tout au long de son histoire. Au gré des inventions, des modes, des contextes socio-économiques, les truqueurs ont accompagné le cinéma et l'audiovisuel français d'un siècle à un autre, entre artisanat, bricolage et industrie. En croisant les regards (historiens, juristes, artistes, spécialistes en esthétique...), cet ouvrage lève le voile sur l'art trompeur singulier que constituent les effets spéciaux français, d'hier à aujourd'hui. Lire la suite Fermer

À cause de ses incroyables mutations, le cinéma russe des années quatre-vingt-dix et celui du XXIe siècle devait être abordé dans un ouvrage collectif à la fois à travers ses thématiques, ses inventions formelles, mais également ses rapports avec l'État.Comment le cinéma russe contemporain repense son passé soviétique et s'inscrit dans la Russie d'aujourd'hui, comment il négocie sa place face aux goûts des spectateurs et aux exigences étatiques, comment il invente ou réinvente ses formes génériques et quelle place il laisse aux cinéastes singuliers et à leurs univers cinématographiques, voilà les questions auxquelles l'ouvrage proposera des réponses.Écrits par des spécialistes russes, européens et américains, les textes abordent le cinéma sous des angles différents: juridique et économique, mais également historique et esthétique.Premier ouvrage collectif en français sur le cinéma russe contemporain, ce volume se veut une exploration d'une cinématographie riche et protéiforme, encore trop peu connue aujourd'hui en France.
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L'attention des observateurs occidentaux est aujourd'hui rivée sur l'Asie, au point que beaucoup se demandent si le centre économique mondial n'est pas en train de se déplacer de l'Atlantique vers l'océan Indien. L'essor de l'Inde lui confère une plus grande crédibilité culturelle sur la scène internationale et permet d'aborder le cinéma populaire indien d'un oeil neuf. Dans le contexte actuel d'une mondialisation accrue des industries culturelles, la résistance de Bollywood aux productions hollywoodiennes sur son marché intérieur et sa présence hors de ses frontières font exception.
Identifier les forces acquises à travers les décennies, les bouleversements en cours et les défis majeurs à relever, donne les clés d'une compréhension en profondeur du cinéma indien. L'analyse transversale des différentes étapes du processus de création cinématographique - de la production, distribution et exploitation des films, en passant par les industries techniques et la réception par les publics, jusqu'aux formes et contenus d'une filmographie représentative des deux dernières décennies - dévoile tous les enjeux, mais aussi les limites, de cette confrontation du cinéma populaire indien au modèle d'Hollywood et des grands groupes multimédias.
Soucieux des enjeux contemporains, cet ouvrage propose pour la première fois d'aborder Bollywood sous l'angle des industries culturelles. L'approche de terrain nous plonge au coeur d'un système unique, à la fois foisonnant et rentable, divertissant et innovant.
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Mondialement reconnue, l'oeuvre du réalisateur ukrainien Sergueï Loznitsa s'impose comme l'une des plus singulières et des plus novatrices du champ ciné matographique contemporain.
Ces dernières années, la multiplication des longs métrages et leur sélection dans les plus grands festivals internationaux (Cannes, Venise et Berlin) ont assuré à son travail un ample rayonnement. Bien qu'en France ses premiers documentaires aient été diffusés dès le début des années 2000, ses films ont longtemps circulé de manière confidentielle et semblaient réservés à un public d'initiés. Aujourd'hui, ce cinéaste est l'auteur d'une oeuvre devenue incontournable qui comporte plus de 28 films, courts et longs.
Cet ouvrage collectif en propose une première étude globale et approfondie articulant divers points de vue et approches (historique, esthétique, critique, analytique) à travers les textes des quinze contributeurs.
L'ouvrage inclut également la transcription d'une masterclass et d'une rencontre avec le cinéaste.
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La chorégraphe flamande Anne Teresa de Keersmaeker a toujours tenu à distance l'idée selon laquelle, en danse contemporaine, musique et chorégraphie étaient indépendantes. Elle a noué, tout au long de sa déjà longue carrière artistique, de savants échanges avec l'art musical que ce livre tente de mettre en évidence. Ainsi, l'auteur a voulu donner une suite à son ouvrage Les Fils d'un entrelacs sans fin (Presses universitaires du Septentrion, 2008) qui proposait une approche esthétique de la danse dans l'oeuvre de Keersmaeker entre 1982 et 2005. Le présent volume prend la forme d'un essai qui rend compte des pièces les plus récentes (2005-2015) et re-périodise l'ensemble de son travail sous un angle que le premier livre avait un peu délaissé, à savoir les figures du dialogue entre danse et musique. Lire la suite Fermer

Constellation dynamique où se croisent, s'entremêlent et se redéfinissent les pratiques comme les savoirs, la magie se déploie en multiples facettes en se nourrissant des avancées de la connaissance dans les domaines les plus divers: de la physique à la religion, de la chimie à la linguistique, de la philosophie aux technologies, des théories de la communication et des médias au corps performant. C'est dans le but de cerner les principaux enjeux de ce vaste ensemble mouvant que nous avons convié des spécialistes à l'aborder, à partir de leur pratique et de leur discipline d'origine, en se concentrant sur sa dimension spectaculaire.
De la scène au cinéma, de la télévision aux réalités augmentées et virtuelles, des spectacles de cirque aux spectacles aquatiques, la pratique magicienne n'a pas cessé de se renouveler et de se métamorphoser, perpétuant cette aura de mystère et de secret qui ne cesse de fasciner mais qui représente aussi, il faut le dire, un sérieux défi pour tout chercheur du domaine. C'est la raison pour laquelle nous avons tenu à intégrer, en plus des théoriciens et historiens, des magiciens à ce vaste projet qui marque un premier aboutissement des travaux du groupe international de recherche Les Arts Trompeurs. Lire la suite Fermer

"Grand récit" du cinéma polonais des origines à nos jours. La narration historico-cinématographique suit ici une voie chronologique classique : des premières séances de cinéma organisées en 1896 sur le territoire polonais (précédées par des phénomènes antécédents dans le domaine de la culture audio-visuelle) aux films réalisés en 2013 où cet ouvrage s'achève. Les films populaires des années 1930, l'École polonaise 1955-1962, le cinéma de l'inquiétude morale - tous les phénomènes de l'art, de la culture et aussi de l'industrie cinématographique sont traités sous tous les angles.

On trouvera ici une analyse des films de fiction, des films d'animation et des documentaires les plus remar-quables ainsi qu'une présentation des biographies des cinéastes et des contextes les plus importants - tout ça dans le cadre d'un discours historique homogène. De plus, chacun des douze chapitres est organisé selon un principe basé sur des épisodes successifs de la culture nationale. Ainsi ce sont cent vingt ans du cinéma qui sont décrits comme une part importante de la culture nationale des Polonais.
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Loin de la vision de l'auteur de cinéma promue par la Nouvelle Vague, le présent ouvrage interroge la paternité des films sur le plan juridique. Partant d'études de cas courant de l'entre-deux-guerres jusqu'au temps présent, des visées comparatives sont ainsi proposées sur l'identité professionnelle du réalisateur. Instaurant un dialogue entre juristes et historiens du film, ce travail vient combler un manque dans la recherche et la réflexion sur ce domaine. À ce titre, il pourra répondre aux besoins tant des universitaires que des professionnels du cinéma et du droit.

De 2010 à 2016, Pascal Dusapin a échangé sur sa musique au travers d'une correspondance et de deux entretiens avec Maxime McKinley. De fil en aiguille, ce dialogue spontané est devenu un projet de livre. Il s'agit d'un parcours riche en déviations et associations d'idées dans l'atelier d'un des plus importants compositeurs de notre temps. Maxime McKinley a enrichi les échanges ici réunis d'une préface et d'un épilogue, de compléments en notes de bas de pages, d'illustrations - extraits de partitions et photographies de Dusapin, notamment - et de quelques annexes. Dans ce livre, l'imaginaire de Dusapin se dévoile librement, de l'opéra à l'installation sonore en passant par le quatuor à cordes, le concerto et la photographie, avec un recours constant à la philosophie et la littérature pour tenter de clarifier cette « voix [musicale] qui parvient dans le noir » (Beckett). Ces déambulations s'adressent tant au mélomane curieux de découvrir cet univers singulier qu'au chercheur spécialisé en quête de matière de première main.
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Anthony Mann. Arpenter l'image est le premier ouvrage en français qui propose une analyse des films majeurs de l'un des plus importants réalisateurs hollywoodiens classiques, Anthony Mann (1906-1967). Celui-ci s'est investi dans les genres les plus importants de l'art cinématographique: film noir, western, film de guerre, péplum. Les auteurs visent, à travers ces analyses, à réfléchir l'image cinématographique et à contribuer à une philosophie de l'image.
C'est que l'ambition de Mann est bien réelle: il s'obstine, tout au long de sa carrière, à comprendre ce qu'est l'image et l'action qu'elle donne à voir. Mann raconte et s'efforce de comprendre en même temps, à même ses images, ce que c'est que de narrer en image, ce qu'est une action qui est de part en part image. Mann arpente les images qu'il compose.
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Si le cirque et le cinéma ont souvent et depuis longtemps été pensés conjointement, ils l'ont davantage été sur le mode de la thématique et de l'incorporation: c'est le cinéma qui s'empare du cirque, s'approprie son «univers», ses personnages, ses histoires, et inversement. Or la fécondité des liens qui unissent les deux pratiques ne peut se borner à un simple «aller sans retour». Cirque et cinéma ont coexisté et coexistent toujours dans une dynamique d'échanges et de circulations sur laquelle cet ouvrage souhaite revenir. Cette dynamique est impulsée par la notion d'attraction, au centre des neuf études et des témoignages d'artistes qui composent le livre. En effet, l'attraction est tout à la fois une clef et un moteur pour saisir la complexité des relations entre deux pratiques qui, paradoxalement, ont dû se repousser pour exister. Des premiers films Lumière aux dernières productions hollywoodiennes en 3-D, en passant par le cinéma d'avant-garde et l'animation, les auteurs interrogent l'attraction pour tenter d'éclairer sous un jour nouveau les rapports entre ces deux éternels «frères ennemis».
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Des études récentes, associant l'histoire de l'art aux méthodes de l'archéologie du bâti et à la relecture des sources, renouvellent nos connaissances sur l'architecture religieuse et monastique du Moyen Âge central dans la partie septentrionale de l'ancienne province ecclésiastique de Reims (diocèses de Thérouanne, Tournai, Arras et Cambrai).

Ces monuments, disparus ou encore présents, témoignent du dynamisme des bâtisseurs de cette vaste région, au carrefour de l'Europe du Nord, qu'il s'agisse de reconstructions sur des sites existants ou de nouvelles implantations, qu'elles soient canoniales ou monastiques. Les routes commerciales comme les voies fluviales - dont l'Escaut, frontière entre le Saint Empire romain germanique et la Flandre, fut un axe majeur - favorisèrent les échanges et permirent notamment la circulation de matériaux, accompagnée des transferts des formes et des techniques. Lire la suite Fermer

Les oeuvres de réalisateurs tels que Hou Hsiao-hsien, Tsai Ming-liang, Ang Lee ou Edward Yang ont d'ores et déjà acquis leur place dans l'histoire du septième art. Mais au-delà d'elles, que sait-on du cinéma taiwanais ?
Quelles ont été les principales étapes de son développement ? De quel contexte historique, social, culturel et politique est-il le produit ? Que nous apprend-il sur le pays qui l'a vu naître et grandir ?
C'est à ces questions que ce livre se propose de répondre. Offrant la première synthèse large en français sur ce sujet, ses pages présentent l'évolution du cinéma taiwanais, des débuts aux dernières sorties, éclairant au passage les tensions historiques qui en traversent à tout moment le développement.
Les présentations en fin d'ouvrage de vingt-cinq réalisateurs viennent compléter cette traversée historique, invitant le lecteur à la découverte de classiques incontournables, mais aussi d'oeuvres méconnues de ce cinéma d'une richesse étonnante.
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Mai 1968 à la faculté d'architecture de Turin. Les jeunes designers de Gruppo Strum et Studio 65 prennent activement part aux contestations étudiantes. Ces événements associent leur pratique de la progettazione à une démarche militante, inscrite au coeur d'une triade design/politique/italianité. Leur production d'objets découle d'histoires économique, politique, culturelle et artistique qui traversent Turin, tout à la fois théâtre de luttes ouvrières et berceau de l'arte povera. Au tournant des années 1970, ce design radical pop turinois, métissage inattendu et paradoxal d'architecture radicale et de pop art, est révélateur d'une période d'intenses débats. Sujet éminemment culturel, le design fait office, dans cet ouvrage, d'observatoire de l'Italie contemporaine et de son récit national en la matière, grâce à des sources écrites et orales inédites, directement recueillies auprès des principaux protagonistes du mouvement et passées au crible d'une analyse rigoureuse. Lire la suite Fermer

Pratiqué depuis longtemps sur des images fixes, le recadrage en postproduction s'impose peu à peu dans l'audiovisuel avec le développement continu des caméras numériques. Filmer dans une grande résolution afin de manipuler le cadre une fois le tournage terminé est à présent commun. Mais qu'apporte ce procédé et qu'implique-t-il dans la réalisation d'un film ? À travers l'ouvrage, l'auteure interroge cette pratique nouvelle sous tous ses aspects, aussi bien techniques et artistiques qu'économiques. S'intéressant d'abord à des oeuvres très diverses, du cinéma des origines aux vidéos Internet en passant par le manga, cette réflexion se conclut par une exploration pratique avec la réalisation d'un long-métrage, Mimi dans la Nuit.

Filmer l'écrivain, est-ce filmer une vie, un statut institutionnel, une parole ? L'émission littéraire ou la critique filmée sur internet ont-elles pour but de rapprocher le public de littérature ? La dimension patrimoniale et didactique du film sur la littérature, la starisation liée à l'incarnation des auteurs semblent dominer les discours cinématographiques et télévisuels. Peut-on alors parler de critique ? Ou avons-nous affaire à la constitution d'un pur objet de culture ? Les études ici rassemblées témoignent qu'un discours critique est en jeu dès lors que le cinéma ou la télévision engagent un geste de mythification ou de démystification. L'ouvrage mettra également en avant les ressources propres dont le film dispose pour explorer ce qui apparaît comme au coeur de l'expérience littéraire : la production d'effets qui dépassent le fonctionnement linguistique et relèvent de la matérialité de l'écrit, du corps, de la naissance des images, des rythmes et des sons et par-dessus tout sans doute, comme le cinéma, d'une méditation sur le temps et la mémoire.
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Près de trente ans après sa disparition, la RDA est toujours présente au cinéma et à la télévision, notamment grâce à Good Bye, Lenin ! et La Vie des autres qui ont profondément marqué l'image que l'on se fait de la chute du mur de Berlin et de l'Allemagne communiste. Et pourtant ces succès internationaux n'ont jamais fait l'unanimité auprès de la population de l'ex-RDA. Comment alors expliquer qu'ils aient cristallisé la mémoire filmique et conduit à occulter une production tout aussi importante que variée ? Que nous disent aujourd'hui ces fictions, documentaires ou séries à propos des débats identitaires et mémoriels qui animent l'Allemagne depuis l'unification ? Comment certains films échappent-ils aux images figées et quasi iconiques de la RDA et de la société postsocialiste ?

Cet ouvrage, qui propose une approche franco-allemande et donne la parole à des chercheurs et des professionnels, dresse le premier bilan en langue française sur la nature et l'évolution de cette production.
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À travers l'analyse des premières photographies stéréoscopiques du XIXe siècle, des films en 3Ds en passant par les applications en réalité virtuelle, cet ouvrage réunit les contributions d'artistes, de stéréographes, de cinéastes et de chercheurs qui dressent un état des lieux sur les connaissances scientifiques et les expérimentations artistiques depuis le XXe siècle ainsi que leurs applications dans les pratiques contemporaines.

Les concepts d'illusion partielle, d'autoillusion, d'indiscernabilité entre impression de réalité et de spectralité sont mis en relation avec l'esthétique stéréoscopique de films en 3Ds ou d'installations de réalité virtuelle. Cette réflexion collective constitue l'une des étapes du programme de recherche "Les Arts trompeurs. Machines. Magie. Médias.".

Contributeurs : Miguel Almiron, Claude Bailblé, Martin Barnier, Ari Bouaniche, Renée Bourassa, Chu-Yin Chen, François Garnier, Rae Beth Gordon, Judith Guez, Réjane Hamus-Vallée, Zakia Ikhlef, Esther Jacopin, Jean-Pierre Jeunet, Nick Jones, Kira Kitsopanidou, Laure Leroy, Margarida Medeiros, Teresa Mendes Flores, Guillaume Méral, Giusy Pisano, Demetri Portelli, Charles Tijus, Kim Timby, Geoffrey Tissier, Marie-Hélène Tramus, Christine Webster.
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